Форум для общения! |
Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.
Вы здесь » Форум для общения! » Искусство » Немного о шедеврах
Джон Уильям Уотерхаус
Леди из Шалот, 1888
The Lady of Shalott
холст, масло. 200×153 см см
галерея Тейт, Лондон
«Леди из Шалот» ( англ The Lady of Shalott) — одна из самых известных картин английскогохудожника Джона Уильяма Уотерхауса, созданная в 1888 году. Это первая версия картины, посвященная одноимённой поэме Альфреда Теннисона « Волшебница Шалот» (в России известна в переводе Бальмонта).
Грант Вуд
Американская готика, 1930
American gothicмасло. 74?62 см
Чикагский институт искусств, Чикаго
«Американская готика» ( англ American gothic) — картина американского художника Гранта Вуда, созданная в 1930 году. Один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века.
На картине изображён фермер с дочерью на фоне дома, построенного в стиле плотницкой готики. В правой руке у фермера вилы, которые он держит в крепко сжатом кулаке так, как держат оружие. Вуду удалось передать непривлекательность отца и дочери — плотно сжатые губы и тяжёлый вызывающий взгляд отца, его локоть, выставленный перед дочерью, её стянутые волосы лишь с одним свободным локоном, чуть повёрнутая в сторону отца голова и глаза, полные обиды или возмущения. Дочь одета в уже вышедший из моды передник. По воспоминаниям сестры художника, она по его просьбе нашила характерную окантовку на передник, споров её со старой одежды матери. Передник с такой же окантовкой встречается на другой картине Вуда — «Женщина с растениями» — портрете матери художника.
Швы на одежде фермера напоминают вилы в его руке. Контур вил можно увидеть и в окнах дома на заднем плане. За спиной женщины видны горшки с цветами и шпиль церкви вдалеке, а позади мужчины стоит амбар. Композиция картины напоминает американские фотографии конца XIX века. Пуританская сдержанность персонажей во многом соответствуют реализму, характерному для европейского течения 1920-х годов « Новая вещественность» ( нем Neue Sachlichkeit), с которым Вуд познакомился во время поездки в Мюнхен.
В 1930 году в городе Элдон ( англ Eldon) штата Айова Грант Вуд заметил маленький белый домик в стиле плотницкой готики. Он захотел изобразить этот дом и людей, которые по его мнению могли бы в нём жить. Сестра художника Нэн послужила моделью для дочери фермера, а моделью для самого фермера стал Байрон МакКиби (Byron McKeeby), зубной врач художника из города Сидар-Рэпидз(Cedar Rapids) в штате Айова. Вуд писал дом и людей по отдельности, сцены, как мы её видим на картине, никогда не было в действительности.
Вуд представил «Американскую готику» на конкурсе в Чикагском Институте Искусств. Судьи оценили её как «юмористическую валентинку», но хранитель музея убедил их выдать автору приз суммой в 300 долларов и убедил Институт Искусств приобрести картину, где она остаётся и по сей день. Вскоре картину напечатали в газетах Чикаго, Нью-Йорка, Бостона, Канзас-Сити и Индианаполиса. Однако после публикации в газете города Седар-Рэпидз последовала негативная реакция. Жители Айовы были разгневаны на то, как художник изобразил их. Одна фермерша даже угрожала откусить Вуду ухо. Грант Вуд оправдывался, что он хотел сделать не карикатуру на жителей Айовы, а собирательный портрет американцев. Сестра Вуда, оскорблённая, что на картине её можно принять за жену человека вдвое старше неё самой, начала утверждать, что «Американская готика» изображает отца с дочерью, однако этот момент сам Вуд никак не комментировал.
Такие критики, как Гертруда Штайн и Кристофер Морли, считали, что картина представляет из себя сатиру на сельскую жизнь маленьких американских городков. «Американская готика» являлась частью нараставшей в то время тенденции критического изображения сельской Америки, нашедшей отражение также в книгах « Уайнсбург, Огайо» Шервуда Андерсона, « Главная улица» Синклера Льюиса и др. С другой стороны, Вуда обвиняли и в идеализации антипатии к цивилизации и отрицании прогресса, урбанизации и т. п.
Однако во времена Великой депрессии отношение к картине изменилось. Она стала рассматриваться как изображение непоколебимого духа американских первопроходцев.
По числу копий, пародий и аллюзий в массовой культуре «Американская готика» стоит наряду с такими шедеврами как « Мона Лиза» Леонардо да Винчи и « Крик» Эдварда Мунка.
Билл Стоунхем
Руки противятся ему, 1972
The Hands Resist Him
«The Hands Resist Him» (c англ — Руки противятся ему) — картина, написанная американским художником из Окленда, штат Калифорния, Биллом Стоунхемом ( англ Bill Stoneham) в 1972 году.
На ней изображены мальчик и кукла-девочка, стоящие перед стеклянной дверью, с другой стороны к которой прижаты маленькие руки.
Автор говорит, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.
Впервые картина была показана владельцу и искусствоведу Los Angeles Times. Затем картина была приобретена актёром Джоном Марли (умер в 1984 году).
Влияние на людей
Согласно информации о картине на eBay, через некоторое время картину обнаружили на свалке среди груды мусора. Семья, нашедшая её, принесла домой, и уже в первую ночь маленькая четырёхлетняя дочка прибежала в спальню родителей с криками, «что дети на картине дерутся». На следующую ночь — что «дети на картине были за дверью». В следующую ночь глава семейства поставил видеокамеру, реагирующую на движение, в комнате где висела картина. Видеокамера сработала несколько раз, но отснять ничего не удалось.
Аукцион eBay
Картина стала известной городской легендой и интернет-мемом в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на аукционе eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями» ( англ haunted). Картина была продана за 1025 USD, начальная цена составляла 199 USD. Страницу с картиной посетили свыше 30000 раз, но в основном просто ради интереса. Её купил Ким Смит, проживавший в маленьком городке недалеко от Чикаго. Он как раз подыскивал что-нибудь для своей только что отремонтированной художественной галереи на просторах Интернета. Когда он наткнулся на «Hands Resist Him», то сначала подумал, что её нарисовали в сороковых годах, и она прекрасно подойдет для него в качестве экспоната.
Картина после продажи
Это было бы концом истории, но письма стали приходить теперь на адрес Смита. Многие из них были, как и раньше, с рассказами о плохом самочувствии после просмотра картины, но были и те, кто писали о зле, исходившем от неё. Другие требовали просто сжечь её. Ему предложили услуги даже Эд и Лоррэйн Уоррены, известные как изгоняющие демонов в Амитвилльском доме в 1979 году. Некоторые даже вспоминали известное убийство Сатилло в лесных холмах штата Калифорния. Призраки двух детей, как говорят, часто посещают дом на холмах. Экстрасенсы утверждали: «Мы видели мальчика. Он носил легкую футболку и шорты. Его сестра была всегда в тени. Он, казалось, защищал её. Их звали Томом и Лаурой, и они как две капли похожи на детей, изображенных на картине».
Позднее Биллом Стоунхемом была создана парная к «The Hands Resist Him» картина — «Resistance at the Threshold».
Тициан
Венера Анадиомена, около 1520
Venere Anadiomene
Холст, масло. 75,8×57,6 см
Национальная галерея Шотландии, Эдинбург
«Венера Анадиомена», или «Афродита Анадиомена» ( итал Venere Anadiomene) — картина венецианского художника Тициана, написанная около 1520 года. Согласно древнегреческому поэту Гесиоду богиня любви Афродита была рождена в море полностью сформировавшейся и вынесена на берег в раковине (именно поэтому её называют Афродита Анадиомена, то есть выходящая из моря). Картина Тициана изображает богиню в море, отжимающую волосы, рядом с небольшой раковиной (в отличие от знаменитой картины Ботичелли), лишь символизирующую богиню. Поза и фигура Венеры повторяет классические скульптуры античности ( Венера на корточках и Афродита Книдская), а её действие — утерянную картину Апеллеса, описанную у Плиния в «Естественной истории». Считается, что таким образом Тициан бросал вызов античному искусству.
Полотно принадлежало королеве Швеции Кристине. Позже оно оказалось в знаменитой коллекции Филиппа II, герцога Орлеанского, племянника Людовика XIV и регента Франции во время царствования малолетнего короля Людовика XV. После Французской революции коллекция была продана брюссельскому банкиру Филиппом, герцогом Орлеанским в 1791 году за 2 года до его казни. Коллекция была перевезена в Лондон для продажи и куплена синдикатом трёх аристократов во главе с Фрэнсисом Эгертоном, 3-м герцогом Бриджуотер. В начале XX века она перешла по наследству 6-му герцогу Сазерленд. С 1945 года коллекция из 26 картин (16 из них — из Орлеанской коллекции), получившая название «Сазерлендский заём», находится в аренде в Национальной галерее Шотландии в Эдинбурге. В 2000 году «Сазерлендская коллекция» перешла по наследству к Френсису Эгертону, 7-му герцогу Сазерленд. В 2003 году он продал картину «Венера Анадиомена» Национальной галерее Шотландии за более чем 11 млн фунтов стерлингов. После выкупа полотна в 2004 году оно стало центральным на специальной выставке «Saved!».
Эдвард Мунк
Мадонна, 1894
Madonna
Холст, масло.
Музей Мунка, Осло
Мадонна ( норв Madonna) — картина норвежского художника- экспрессиониста Эдварда Мунка. Первый вариант «Мадонны» был нарисован в 1893—1894 годах, в 1895 году была исполнена литография, всего Мунк создал пять вариантов картины.
Мадонна изображена молодой обнажённой женщиной с полузакрытыми в экстазе глазами и распущенными чёрными волосами. От канонического образа Мадонны остался только нимб вокруг головы. Литография отличается от варианта маслом оформлением в виде рамы с изображениями сперматозоидов и маленькой фигуркой в позе эмбриона в левом нижнем углу.
Натурщицей для одной из версий картины была Дагни Юль, жена писателя Станислава Пшибышевского и близкая подруга Мунка.
Разные версии «Мадонны» в настоящее время находятся в музее Мунка и Национальном музее искусства, архитектуры и дизайна в Осло, а также в Кунстхалле в Гамбурге. Ещё две версии принадлежат частным коллекционерам.
В 2004 году два вооружённых грабителя вынесли из музея «Мадонну» и « Крик». В мае 2006 года, когда картины ещё не были обнаружены, над предполагаемыми похитителями состоялся суд. Три человека получили от четырёх до восьми лет тюрьмы, два из них также были приговорены к крупным штрафам, ещё трое были оправданы. Полиция нашла похищенные картины в августе того же года.
Уильям Холман Хант
Светоч мира, 1854
The Light of the World
Холст, масло.
Городская художественная галерея, Манчестер
«Светоч мира» ( англ The Light of the World) — аллегорическое полотно художника- прерафаэлита Уильяма Холмана Ханта, представляющее фигуру Христа у массивной, заросшей бурьяном, давно запертой двери. Картина иллюстрирует Откровение Иоанна Богослова: «Се стою у двери и стучу. Если кто услышит Мой голос и отворит дверь, войду к нему, и буду вечерять с ним, и он со Мною» ( Откр 3:20).
Сюжет и символизм картины
Произведение наполнено образами, имеющими символистский смысл.
Над миром лежит ночь. Христос со светильником в руке идёт по миру среди мрака и стучится в дома. На картине Он изображён у одной из дверей. Светильник в левой руке Иисуса подчёркивает мрак, окружающий дом. Свет от светильника направленный, падает на дверь и немного освещает одежды Спасителя. Христос изображён в длинных светлых одеждах, на Нём красный плащ, на голове — корона и вокруг неё терновый венец, на ногах — сандалии. Лицо Христа обращено к зрителю. Ещё одно светлое пятно на картине — луна, образующая нимб вокруг головы Спасителя.
Дверь символизирует «закрытое сердце», она наглухо заперта, давно не отворялась, заросла бурьяном. На двери нет ручки, и открыть её можно только изнутри. Особое внимание художник уделил изображению светильника. Он довольно сложен и причудлив: семь его граней символизируют семь Церквей Апокалипсиса, а отверстия разной формы — многообразие форм религии, объединённых общим светом.
Вся сцена иллюстрирует фрагмент из Откровения Иоанна Богослова: «Се стою у двери и стучу. Если кто услышит Мой голос и отворит дверь, войду к нему, и буду вечерять с ним, и он со Мною» ( Откр 3:20).
Через 50 лет после создания картины Ханту пришлось разъяснять её символистский смысл.
Сюзанна Валадон
Брошенная кукла, 1921
Холст, масло. 135?95 см
Национальный музей женщин в искусстве, Вашингтон
«Брошенная кукла» — картина французской художницы Сюзанны Валадон.
Сюзанна Валадон всегда была известна своими чуждыми условностям и противоречивыми картинами, главными героинями которых часто становились обнажённые женщины. «Брошенная кукла» является одним из двух парных портретов Марии Кола ( фр Marie Cola) с дочерью Жильбертой, племянницей Сюзанны Валадон.
Эта картина является прекрасным примером зрелого творчества Валадон: яркие цветные формы с тёмными контурами, странные, в чём-то неудобные позы, упрощённая и искажённая анатомия. Похожие черты можно встретить в работах Поля Гогена или Анри Матисса, однако Валадон отрицала их влияние и избегала всяких попыток классифицировать её собственный стиль.
Кроме прекрасного художественного исполнения, картина замечательна своей неоднозначностью. В центре картины — девочка с совсем ещё детской причёской, а перед ней лежит только что брошенная кукла. Однако у неё уже совершенно развитая грудь, и невольно возникает вопрос, мать ли сидит рядом с ней на кровати и вытирает её тело полотенцем или хозяйка борделя. Юная девочка отвернулась и внимательно разглядывает себя в маленькое ручное зеркальце. Сидит она на двуспальной кровати. Остаётся неясным, то ли женщина помогает ей преодолеть проблемы переходного возраста, то ли её готовят для дефлорации. Видно, что действие происходит в очень маленькой комнате, в которой нагота смотрится совершенно неуместно. Женщина полностью одета, а девочка раздета. Сюзанна Валадон не даёт ни одной подсказки, позволяющей понять смысл сюжета картины.
У куклы точно такая же причёска с большим бантом в волосах, что и у девочки, и у обеих ноги плотно сдвинуты. Но кукла лежит покинутая, символизируя уход из детства. Зрителю остаётся лишь гадать, какая судьба ждёт эту юную девочку, поглощённую разглядыванием самой себя и не представляющую всех козней, которые готовит ей мир взрослых.
Ещё одно светлое пятно на картине — луна, образующая нимб вокруг головы Спасителя.
Луна, полная луна в полнолуние образует нимб Спасителя ?
Разве у Христа не было Своего нимба ?
И разве этот нимб был подобен луне, а не солнцу ?
Леди из Шалот
Сдается мне, что это Алёнушка,только на аглицкий манер.
Ещё одно светлое пятно на картине — луна, образующая нимб вокруг головы Спасителя.Луна, полная луна в полнолуние образует нимб Спасителя ?
Разве у Христа не было Своего нимба ?
И разве этот нимб был подобен луне, а не солнцу ?
Не знаю, не могу ничего тебе сказать. Такая задумка художника.
Замечательная красивая картина.
Не знаю, не могу ничего тебе сказать. Такая задумка художника.
Замечательная красивая картина.
Картина-то красивая.
Но не стоило, по-моему, Спасителя подавать в таком неверном свете.
Леди из ШалотСдается мне, что это Алёнушка,только на аглицкий манер.
Юра, сейчас что хочешь можно предполагать. Но факт тот, что работы каждого автора индивидуальны и имеют свою изюминку.
Сообщение от Синеглазка
Не знаю, не могу ничего тебе сказать. Такая задумка художника.
Замечательная красивая картина.Картина-то красивая.
Но не стоило, по-моему, Спасителя подавать в таком неверном свете.
Подпись автораПодарки:
Услышал бы твои слова Уильям Холман Хант, ему бы знаешь как обидно стало...
Услышал бы твои слова Уильям Холман Хант, ему бы знаешь как обидно стало...
По-моему, нет ничего обидного.
Наверняка Уильям Холман Хант читал Новый Завет.
А там сказано, что Спаситель придёт аки тать в нощи.
Так что всё про ночь, с моей точки зрения, правильно.
Единственно с чем я не согласен, что полная луна образует нимб Спасителя.
Для пояснения - некоторые считают, все наиболее тёмные дела совершаются именно под воздействием полной луны.
Услышал бы твои слова Уильям Холман Хант, ему бы знаешь как обидно стало...По-моему, нет ничего обидного.
Наверняка Уильям Холман Хант читал Новый Завет.
А там сказано, что Спаситель придёт аки тать в нощи.
Так что всё про ночь, с моей точки зрения, правильно.
Единственно с чем я не согласен, что полная луна образует нимб Спасителя.
Для пояснения - некоторые считают, все наиболее тёмные дела совершаются именно под воздействием полной луны.
Я не могу сказать, откуда такая задумка художника. Мне кажется, что здесь дело не в Новом Завете. У художников обычно есть какой-либо источник вдохновения, свои мысли и идеи. Всегда интересно, когда в картинах присутствует что-то необычное, противоречащее реальности (существуют такие стили в рисовании) и таким образом дает возможность людям поразмыслить, пофантазировать над задумкой автора.
Отредактировано Синеглазка (22-06-2016 11:47:12)
Я не могу сказать, откуда такая задумка художника. Мне кажется, что здесь дело не в Новом Завете. У художников обычно есть какой-либо источник вдохновения, свои мысли и идеи. Всегда интересно, когда в картинах присутствует что-то необычное, противоречащее реальности (существуют такие стили в рисовании) и таким образом дает возможность людям поразмыслить, пофантазировать над задумкой автора.
Абсолютно согласен.
На то и есть индивидуальный взгляд художника на мир.
Это тот неповторимый набор тончайших оттенков, который видит именно этот человек.
Но дело то идёт не о какой-то вымышленной персоне.
Речь идёт о Спасителе !
Отредактировано Лунтик (22-06-2016 11:52:00)
Услышал бы твои слова Уильям Холман Хант, ему бы знаешь как обидно стало...
Вовсе нет.Признак таланта - неоднозначность оценок его произведения.
Рафаэль Санти
Мадонна Темпи, 1507
Madonna Tempi
Доска, масло. 75×51 см
Старая пинакотека, Мюнхен
«Мадонна Темпи» — картина великого итальянского художника Рафаэля ( 1483— 1520).
Картина названа по имени владельцев, флорентийской семьи Темпи, для которой была написана и у потомков которой её приобрёл для своего собрания Людвиг I в 1829 году. Картина была привезена из Флоренции в Мюнхен после почти двадцатилетних переговоров и многих усилий вызволить её у прежних владельцев.
«Мадонна Темпи» была создана Рафаэлем к концу его пребывания во Флоренции, в ряду других его знаменитых изображений богоматери. Но если в некоторых можно наблюдать отголоски влияния Леонардо, с которым Рафаэль познакомился и бывал в его мастерской, то «Мадонна Темпи» обнаруживает совершенно оригинальное решение образа, не имеющее прецедента в живописи. Возможно, что композиция была отчасти навеяна рельефами Луки делла Роббиа и Донателло. Трудно описать очарование замысла художника, который увидел скромную, милую молодую мать, идущую с ребёнком на руках вдоль озера в долине, окаймлённой невысокими горами. Безоблачное голубое небо, будучи фоном, и прозрачный, чистый воздух, овевающий прелестную группу, создают впечатление прекрасного летнего дня, когда малыш может быть голеньким и его согревают не только руки матери, но и тёплый, ласковый воздух.
Картина «Мадонна Темпи» не просто удалась молодому Рафаэлю, но показала возможность воплощения естественного бытия образа на полотне, поразительно сочетающего принцип идеальности и жизненности изображения.
Исаак Левитан
Над вечным покоем, 1894
Холст, масло. 150×206 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
«Над вечным покоем» — одна из известнейших картин Исаака Левитана.
Левитан начал работу над картиной летом 1893 года на озере Удомля, близ Вышнего Волочка. Церковь на картине написана с этюда «Деревянная церковь в Плёсе при последних лучах солнца». Эскиз полотна «Над вечным покоем» под названием «Перед грозой» также хранится в Государственной Третьяковской галерее.
В письме к П. М. Третьякову 18 мая 1894 года художник писал о своей картине: «Я так несказанно счастлив, что моя работа снова попадет к Вам, что со вчерашнего дня нахожусь в каком-то экстазе. И это, собственно, удивительно, так как моих вещей у Вас достаточно, но что эта последняя попала к Вам, трогает меня потому так сильно, что в ней я весь, со всей моей психикой, со всем моим содержанием…». В другом письме он писал: «Вечность, грозная вечность, в которой потонули поколения и потонут ещё… Какой ужас, какой страх!». Именно об этой грозной вечности заставляет задуматься картина Левитана.
В картине «Над вечным покоем» тяжело нависают над землёй свинцовые облака. Широкое озеро, открывающееся за утёсом, выглядит мрачно и сурово. Левитан писал, что чувствует «себя одиноким с глаза на глаз, с громадным водным пространством, которое просто убить может…».
Вода и небо на картине захватывают, поражают человека, будят мысль о ничтожности и быстротечности жизни. На крутом высоком берегу стоит одинокая деревянная церковь, рядом кладбище с покосившимися крестами и заброшенными могилами. Ветер качает деревья, гонит облака, затягивает зрителя в бесконечный северный простор. Мрачному величию природы противостоит только крохотный огонёк в окне церквушки.
В. А. Серов
Похищение Европы, 1910
Картон, темпера. 71×98 см
ГТГ, Москва
«Похищение Европы» — картина Валентина Серова, написанная в 1910 году и известная в нескольких авторских вариантах.
Сюжет
Сюжет картины, взятый Серовым из древнегреческой мифологии, принадлежит к одному из наиболее популярных сюжетов мирового искусства, связанных с античной культурой. Зевс влюбился в Европу, дочь финикийского царя Агенора, и явился царевне и ее подругам, гулявшим на берегу моря, в виде прекрасного быка. Девушки забавлялись игрой с быком, украшая его рога цветочными гирляндами. Когда Европа решилась сесть на спину быка, тот бросился в море и увез царевну на остров Крит, где она стала женой Зевса, родив ему впоследствии трех сыновей-героев.
История
Идея написать «Похищение Европы» приходит Серову во время его поездки с Бакстом в мае 1907 в Грецию, посещения острова Крит и изучения найденных там археологами остатков Кносского дворца, украшавших его фресок и других памятников критской культуры. Существуют многочисленные свидетельства того, что эта поездка была им предпринята в целях работы над росписями, предназначенными для Музея изящных искусств в Москве. Исследователи творчества Серова обращают внимание и на то, что художник создавал именно декоративное монументальное панно, а не станковую картину.
Композиция
Используя характерный для эстетики модерна приём стилизации, Серов первым создает свою, далекую от академических канонов, версию античного сюжета. Композиционное решение полотна было им найдено достаточно быстро. С высокой линией горизонта, она построена на диагональном движении форм. В 1909—1910 годах Серов лишь продолжает поиски масштабных соотношений ее элементов, подчеркивающих монументальность произведения. Он вытягивает, трансформирует силуэты быка и дельфинов, чтобы подчеркнуть динамику общего композиционного движения. Очень выразителен и особо «упругий» ритм этого произведения. Горизонталь неба и моря как бы взрыты поднимающимися волнами. Море неспокойно, оно вздымает валы. Дельфины повторяют движение плывущего Зевса, чем усиливают динамику композиции.
В колористическом решении Серов также отступил от традиции, использовав ту гамму, которая привлекала его в тот период. Так, быка вопреки сложившимся в искусстве представлениям, он сделал не белоснежным, а рыжим. Это ярко-оранжевое пятно на фоне сине-фиолетового моря необычайно красиво и выразительно. Хотя новаторский замысел остался в итоге неоконченным в связи с безвременной кончиной художника, исследователи сходятся о том, что в «Похищении Европы» Серов нашел не только свой новый изобразительный язык, но и открыл новый вариант утверждавшегося художественного стиля.
Гюстав Курбе
Веяльщицы, 1853
Les Cribleuses de blé
Холст, масло. 131×167 см
Музей изящных искусств, Нант
«Веяльщицы» ( фр Les Cribleuses de blé) — картина французского художника Гюстава Курбе, написанная в 1853 году.
«Веяльщицы» принадлежат к серии картин, изображающих жизнь крестьян Орнана, которую Курбе написал в 1850-х гг., однако она не похожа на большинство полотен художника этого периода. Курбе показал на картине тяжёлый крестьянский труд, однако работа женщин отнюдь не выглядит утомительной. Курбе удалось изобразить крестьянок с восхищением и благоговением, придав полотну лиричную и светлую атмосферу. Он использовал ограниченную цветовую гамму, не лишённую однако сильных тонов, как в широком красном платье центральной фигуры. Известно что эту девушку с ситом Курбе писал со своей сестры Зои, а для фигуры второй крестьянки позировала его другая сестра, Жюльетта. Изображённый на картине мальчик — сын художника, Дезире Вине.
Интерес вызывают такие детали картины, свернувшаяся клубком спящая кошка на заднем плане, литография, прибитая к двери, и сундук, как бы блокирующий вход в комнату. Картина была благосклонно встречена публикой, но у некоторых критиков вызвал неприязнь неопрятный вид крестьянок и то, как художник расположил выглядывающие из-под платья ступни девушки.
И. И. Бродский
В. И. Ленин в Смольном, 1930
Холст, масло. 190×287 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
«В. И. Ленин в Смольном» — картина известного советского живописца И. И. Бродского, исполненная художником в 1930 году и изображающая В. И. Ленина в момент работы над запиской в одном и помещений Смольного в первые недели советской власти.
Для своей картины Бродский избирает конкретное время и обстановку, что должно убедительно говорить о правдивости и почти документальности созданного образа. Этой же цели подчинена вся композиция работы, включая мельчайшие детали. Она тщательно продумана Бродским и безупречно отвечает замыслу картины.
К моменту написания картины Бродский уже имел большой опыт работы над образом Ленина, начиная от натурных зарисовок до создания таких полотен, как «Ленин на фоне Кремля» (1923), «Ленин на трибуне» (1925), «Ленин на фоне Смольного» (1925), «Выступление Ленина на митинге рабочих Путиловского завода в мае 1917 года» (1929) и других, став признанным мастером этой темы в молодом советском искусстве. В новой картине художник ставит перед собой задачу передать не только портретное сходство, но и донести до зрителя характерные черты облика Ленина в напряжении повседневной работы. Фигура написана почти в натуральную величину, это позволяет зрителю увидеть себя рядом с вождем. Так же достоверно и тщательно изображен кабинет. Его скромная, почти аскетичная обстановка, не соответствующая масштабу принимаемых Лениным решений, должна говорить об ответственности большевистской власти. Колорит картины сдержан, выдержан в мягких охристых тонах и приближен к реальной цветовой гамме. Скрупулёзность в изображении Бродским деталей интерьера и костюма помогают усилить достоверность изображения и подчеркнуть историческую значительность момента. Написанная спустя шесть лет после смерти Ленина, картина призвана канонизировать образ вождя мирового пролетариата.
После своего появления картина «Ленин в Смольном» стала одним из самых популярных произведений, посвященных образу вождя революции. Она неоднократно экспонировалась на крупнейших художественных выставках, воспроизводилась в печати, в том числе массовыми тиражами в виде цветных репродукций. Бродским были сделаны несколько авторских повторений картины, незначительно отличавшихся от первого варианта размерами.
Эдуар Мане
Бар в «Фоли-Бержер», 1882
Un bar aux Folies Bergère
Холст, масло. 96×130 см
Институт искусства Курто, Лондон
« Фоли-Бержер» — варьете и кабаре в Париже. Находится по адресу улица Рише 32. В конце XIX века это заведение пользовалось большой популярностью. Мане часто посещал «Фоли-Бержер» и в итоге написал эту картину — последнюю, которую он представил на Парижском салоне перед своей смертью в 1883 году.
Мане делал наброски к картине прямо в баре, находившемся на первом этаже варьете справа от сцены. Потом он попросил барменшу Сюзон ( фр Suzon) и своего друга, военного художника Анри Дюпре ( фр Henri Dupray), позировать в мастерской. Изначально основу композиции должны составлять стоящие друг против друга барменша и клиент, увлечённые разговором. Об этом свидетельствуют не только сохранившиеся наброски, но и рентгеновские снимки картины. Позднее Мане решил сделать сцену более многозначительной. На заднем плане видно зеркало, в котором отражается огромное количество людей, заполняющих помещение. Напротив этой толпы, за стойкой стоит поглощённая собственными мыслями барменша. Мане удалось передать чувство невероятного одиночества посреди пьющей, едящей, разговаривающей и курящей толпы, наблюдающей за акробатом на трапеции, которого можно заметить в верхнем правом углу картины.
Если взглянуть на бутылки, стоящие на мраморной стойке бара, можно заметить, что в их отражение в зеркале не соответствует оригиналу. Отражение барменши тоже нереально. Она смотрит прямо на зрителя, в то время как в зеркале она обращена лицом к мужчине. Все эти несоответствия заставляют зрителя задуматься, реальный или воображаемый мир изобразил Мане.
Рафаэль Санти
Донна Велата, 1515—16
La VelataХолст, масло. 82×60,5 см
Палатинская галерея, Палаццо Питти, Флоренция
«Донна Велата» ( итал Ritratto di donna или La Velata – «женщина под покрывалом») — один из известнейших портретов художника итальянского Возрождения Рафаэля Санти.
Полагают, что натурщицей для данной работы служила возлюбленная Рафаэля, изображенная на полотне Форнарина. Индивидуальность проступает в камерной атмосфере обеих картин. Возможно, они являются портретами Маргериты Лути, дочери пекаря из Сиены, возлюбленной Санцио, часто ему позировавшей.
Предполагают, что Рафаэль встретил Форнарину в 1514 году, когда работал в Риме по заказу банкира Агостино Киджи над оформлением главной галереи его виллы Фарнезина. Рафаэль написал для Киджи знаменитые фрески« Три грации» и « Галатея».
Для фрески « Амур и Психея» Рафаэль стал искать модель и наконец на берегу Тибра увидел 17-летнюю дочь пекаря Маргариту Лути. Рафаэль прозвал её Форнарина (от итал fornaro — пекарь).
Художник предложил девушке поработать в качестве модели и пригласил её к себе в студию. Так начался их роман, он продолжался шесть лет, до самой смерти мастера. Как говорят, Рафаэль выкупил дочь у отца за 3 тыс. золотых и снял для неё виллу. После безвременной кончины великого художника Форнарина, как гласят документы, ушла в монастырь в 1520 году.
«Донна Велата» принадлежит к числу величайших шедевров Высокого Возрождения. Она — редчайший эталон тихой, ни чем не замутненной женской красоты.
Изначально картина находилась в коллекции флорентийского купца родом из Кремоны Маттео Боттего, а в 1615 году перешла в собственность Козимо II. Долгое время авторство картины не было установлено, и только в 1839 году выяснилось, что она принадлежит кисти Рафаэля. В настоящее время картина выставлена в Палатинской галерее Палаццо Питти во Флоренции.
Ян Вермеeр
Вид Дельфта, 1661
Gezicht op Delft
Холст, масло. 96,5×115,7 см
Маурицхёйс, Гаага
«Вид Дельфта» ( нидерл Gezicht op Delft) — одна из наиболее известных картин нидерландского художника Яна Вермеера, на которой изображен родной для Вермеера город Дельфт. Является одной из самых больших по размеру картин художника и одним из двух его пейзажей.
Картина очень четко делится по горизонтали на четыре части: набережная, вода, здания, небо. При этом для каждой части Вермеер использовал особенную технику. Например, для передачи блеска воды он воспользовался техникой пуантилизма, а для изображения камня смешивались неровные гранулы красок.
Вермеер показал город с юго-востока от канала реки Схи. Время действия — утро, солнце на востоке, часы на Схидамских воротах показывают 7 часов. На картине изображено около 15 человек.
Сравнивая эту картину с рисунками и гравюрами других авторов, можно сделать вывод, что Вермеер для более гармоничной композиции изменил реальный вид Дельфта, в частности, здания на самом деле были выше и уже. Слева направо изображены: пивоварня «Попугай», Кетельские ворота, Схидамские ворота, башня Новой Церкви, Роттердамские ворота. К настоящему времени не сохранилось ни одного здания, изображённого Вермеером, даже обе церкви впоследствии были перестроены, шпиль Новой Церкви после пожара в 1872 году был заменён. Осталась неизменной только форма гавани. Вероятно, художник использовал камеру-обскуру.
Пруст писал об этом полотне Вермеера, которое он видел в музее Гааги 18 октября 1902 г., своему другу художественному критику Ж.-Л. Водуае: «С тех пор, как я увидел в Гааге „Вид Дельфта“, я понял, что я видел самую прекрасную картину в мире» (письмо от 2 мая 1921 г.). В романе «Пленница» герой « В поисках утраченного времени» Бергот умирает на выставке, любуясь жёлтой стеной на этой картине.
В 1696 году знаменитая впоследствии ведута была продана всего за 200 гульденов. В 1822 году Маурицхёйс купил её за 2900 гульденов.
Корреджо (Антонио Аллегри)
Женский портрет, ок. 1518 (1517—19)
Ritratto di gentildonna
Холст, масло. 103Ч87,5 см
Эрмитаж, Санкт-Петербург
Женский портрет работы итальянского ренессансного художника Корреджо — единственная его картина в России. Она представляет собой редкий пример портретного жанра в его наследии и относится к числу лучших картин итальянского собрания Эрмитажа, куда поступила в 1925 году из Юсуповского дворца-музея.
Описание
Дама, чьё имя нам неизвестно, изображена под сенью лавра, который, вероятней всего, символизирует её поэтическое дарование. Ствол дерева, обвитый плющом, обозначает вечную любовь и супружескую верность.
Одежда дамы тоже символична: это траурный наряд, а коричневое платье и верёвочный пояс говорят о её причастности к ордену францисканцев.
В руках женщины сосуд с надписью греч ΝΗΠΕΝΘΕΣ — непенф, трава забвения из древнегреческой мифологии (по « Одиссее», Елена Прекрасная давала её Телемаху, искавшему отца, чтобы тот забыл о своей потере). Художник подписался своим именем Anton(ius) Laet (us).
По одной из версий на портрете представлена Джиневра Рангоне, супруга Джангалеаццо да Корреджо (Висконти), умершего в 1517 году. По другому распространённому предположению — моделью послужила поэтесса Вероника Гамбара, владетельница города Корреджио и покровительница мастера, его уроженца. Гамбара известна своими стихами, в которых горестно оплакивала своего умершего в 1518 году супруга.
Василий Дмитриевич Поленов
Бабушкин сад, 1878
Холст, масло. 54,7×65 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
После переезда в июне 1877 года из Санкт-Петербурга в Москву молодой художник Василий Поленов снимал квартиру в центре первопрестольной столицы, недалеко от старого Арбата, близ Храма Спаса Преображения, на углу Трубниковского переулка.
В картине «Бабушкин сад» изображен тот же усадебный дом, окружённый садом, что и в «Московском дворике». Появились обе эти работы в одном и том же 1878 году.
Московский особняк и сад вокруг него играют в картине важную роль, давая зрителю наглядное представление о центре города того времени. После опустошительного пожара 1812 года Москва застраивалась дворянскимиособняками в стиле классицизма.
Представительность деревянным строениям придавали лепные украшения, штукатурка под каменную кладку, портик с колоннами и фронтоном. На картине, правда, усадебный дом выглядит уже несколько обветшало, штукатурка с изъянами, колонны и каменные ступени выщерблены.
В русской живописи Василий Поленов считается одним из зачинателей «пейзажей настроения» вслед за А. К. Саврасовым, перед И. И. Левитаном и К. А. Коровиным.
Если в «Московском дворике» открытое пространство, залитое солнечным светом, создаёт радостное настроение, то в «Бабушкином саду» замкнутость внутри затенённого сада вызывает у зрителя иные ассоциации.
В сюжет своих картин В. Поленов вводит не только природные и архитектурные мотивы, но и сценки повседневной жизни, называя это «пейзажным бытовым жанром». Будучи потомком дворянского рода, художник создает убедительные образы обитательниц «дворянского гнезда», что придает настроению картины ностальгический характер и вносит оттенок литературности. Композиционное решение перекликается с театральными постановками, посвящёнными уходящему миру российского дворянства, по произведениям русских классиков от И. С. Тургенева до А. П. Чехова.
Внимание и любовь к природе художник проявлял с раннего детства. Принципы пленэрной живописи Василий Поленов во многом воспринял от импрессионистов, с картинами которых знакомился во время зарубежной стажировки в качестве пенсионера Академии художеств
Жан Огюст Доминик Энгр
Большая одалиска, 1814
La grande odalisque
Холст, масло. 91×162 см
Лувр, Париж
«Большая одалиска» ( фр La grande odalisque) — картина французского художника Жана Энгра.
Энгр написал «Большую одалиску» в Риме для сестры Наполеона Каролины Мюрат. Картина была выставлена в Париже в Салоне в 1819 году. Следуя примеру художников Возрождения, Энгр не колеблясь идеализировал либо утрировал некоторые черты своих моделей, чтобы достичь идеальности либо подчеркнуть выразительность формы. В этом полотне он прибавил одалиске три лишних позвонка, что было немедленно замечено критиками.
Как обычно у Энгра, анатомическое правдоподобие подчинено художественным задачам: правая рука одалиски неправдоподобно длинна, а левая нога вывернута под невозможным с точки зрения анатомии углом. Вместе с тем картина производит впечатление гармонии: создаваемый левым коленом острый угол необходим художнику, чтобы уравновесить построенную на треугольниках композицию.
Восточная атрибутика на картине (курительные принадлежности, веер, головной убор) подчёркивает отстранённость модели от зрителя и холодноватое совершенство обнажённого женского тела.
Картина так и не была принята заказчицей. Около 1819 года Энгр продал «Большую одалиску» за 800 франков графу Пурталесу, а в 1899 году она была куплена Лувром.
Интересные факты
Голова одалиски с незначительными изменениями повторяет голову женщины из картины « Рафаэль и Форнарина», написанной Энгром годом ранее по картине Рафаэля, изображающей его возлюбленную Форнарину.
Поза одалиски послужила основой одной из картин Амедео Модильяни. К теме одалисок вслед за Энгром обращались высоко ценившие его Матисс и Пикассо.
Поцелуй, Густав Климт
1907-1908
Вена
Австрийская Галерея
Ослепительно яркая и эмоциональная картина Климта "Поцелуй" приобрела огромную известность сразу после своего появления. Тогда же она была куплена правительством Австро-Венгрии. В наши дни "Поцелуй" считается одним из самых выразительных образов в истории живописи XX века. Обнявшаяся пара, облаченная в мозаичные одежды, изображена на абстрактном золотистом фоне. Напряженность атмосферы усиливается за счет глубокого контраста между натуралистическими и декоративными деталями. Реалистически написанные лица, руки и ноги влюбленных покрыты и окружены плоскостями с абстрактным рисунком, соответствующим фактуре ткани и цветам.
Художник выбирает для картины свой любимый квадратный формат, игнорируя при этом глубину пространства и горизонт. Тем самым он выводит сцену за пределы реальности и придает самому "акту" поцелуя вселенский масштаб. Орнаментальные детали несут не только декоративную, но и смысловую нагрузку. В частности, прямоугольники на одеянии мужчины суть фаллические символы, а спирали, крути и овалы, запечатленные на одеянии его возлюбленной, являются художественными знаками женских гениталий. Собранные в художественное целое, они выражают идею слияния двух начал не менее энергично, чем сам поцелуй.
Несколько слов о любимом им (и вообще искусством модерна) квадратном формате. Эта "квадратность" предоставляла широчайшие возможности для декоративного решения задачи, к которому был столь склонен Климт "золотого периода". Данный всепримиряющий и гармонизирующий формат (а для "Поцелуя", по общему мнению, характерно примирение до того враждовавших у Климта мужского и женского начал), позволял, кроме того, "растить" изображение хоть куда - прямоугольник в этом смысле всегда ограничивает художника, задавая жесткие направления.
Предшествовавшие "Поцелую" эпатажные работы художника делили аудиторию на две неравные части: большую - яростных противников; и небольшую - единомышленников и поклонников. "Поцелуй", обозначивший высшую точку "золотого периода" творчества художника и ставший эмблемой венского Сецессиона, получив безоговорочное признание, на время примирил тех и других. Завораживающее золотое сияние, притушенный эротизм (на картине открыты лишь лица и руки героев) и очевидная целомудренность изображения вызвали восторг публики (в том числе консервативной и пуританской). Необычный для работ Климта факт: картина была куплена еще до закрытия выставки 1908 года, на которой она была представлена.
Фредерик Лейтон
Пылающий июнь, 1895
Flaming June
Холст, масло. 120×120 см
Музей искусств, Понсе
Знаменитый "Пылающий июнь" Фредерик Лейтон написал незадолго до своей смерти. По его словам, идея картины пришла ему в голову, когда он увидел натурщицу (Дороти Дин), уснувшую в его мастерской. "Меня поразила гибкость и податливость фигуры уставшей девушки, - говорил художник, -и я решил изобразить ее".
Лейтон к тому времени уже не раз изображал спящих девушек. Да и сама тема сна была чрезвычайно популярна в викторианскую эпоху. Пожалуй, ни один живописец той поры не устоял перед соблазном написать "красивый" сон молодой женщины. Лейтон, безусловно, знал это, и тщательно прорабатывал композицию, стараясь, чтобы его картина не была похожа на сотни других "сонных полотен". Работая над "Пылающим июнем", он создал множество набросков, ища нужное положение тела натурщицы и наиболее выразительный формат картины. Мастер приблизил фигуру спящей девушки почти вплотную к зрителю и заключил ее в рамки "тесного", герметичного пространства, напоенного летним теплом и пронизанного таинственностью.
| Мариам Петросян "Дом в котором" | #Книжная полка | 18-07-2015 |
| Проклятые картины | #Эзотерика | 30-08-2021 |
| Фотошоп работы своими руками. | Скрипты | 17-10-2022 |
| Основные виды теста | Хозяйке на заметку | 28-09-2016 |
| Закуски | #Прошу к столу или садитесь жрать пожалуйста! | 10-10-2017 |
Вы здесь » Форум для общения! » Искусство » Немного о шедеврах
